sábado, 15 de marzo de 2014

Rosa Montero

Literatura
022 – Rosa Montero
Una pluma que relata los sueños diurnos

Sin lugar a dudas la periodista y escritora española Rosa Montero es un auténtico ejemplo de tesón y esfuerzo y que de si se quiere algo profundamente se puede... Porque a pesar de provenir de un origen humilde y de haber padecido de chica la enfermedad de la tuberculosis, situación que la llevó a estar internada en su casa hasta cumplir los nueve años de edad, Montero, logró sobreponerse a los obstáculos que la vida le traía sin todavía ser lo suficientemente madura para comprenderlos y procesarlos y actualmente es una de las plumas más destacadas de su patria y también una de las que ha podido sortear los difíciles límites nacionales y llegar, asimismo, con sus libros e idéntica repercusión a otras plazas de habla hispana que la acogieron como propia.
Rosa Montero nació el 3 de enero de 1951. Hija de un banderillero y un ama de casa, estudió periodismo y psicología, aunque abandonó esta última carrera en cuarto curso.
Colaboró con grupos de teatro independiente, como Canon o Tábano, a la vez que empezaba a publicar en diversos medios informativos (Fotogramas, Pueblo, Posible, etc.).
Desde finales de 1976 trabaja de manera exclusiva para el diario El País, en el que fue redactora jefa del suplemento dominical durante 1980-1981.
El primer libro de ficción, la novela Crónica del desamor, apareció en 1979. En los años posteriores ha publicado una docena de ellas, además de relatos y obras dirigidas a los niños. La hija del caníbal (1997) fue llevada al cine con el mismo nombre por el mexicano Antonio Serrano.
Su obra, tanto de periodista como de narradora, ha merecido premios importantes, nacionales y extranjeros. Ha sido traducida a una veintena de idiomas.
Estaba casada con el periodista Pablo Lizcano, quien falleció el 3 de mayo de 2009, a los 58 años, tras una larga enfermedad.
Fragmento "La Hija del Caníbal", Rosa Montero
Con la desaparición de Ramón aprendí que el silencio puede ser ensordecedor y la ausencia invasora. No es que echara exactamente de menos a mi marido: ya digo que estábamos acostumbrados a ignorarnos. Pero llevábamos una década viviendo a dos, y eso crea una relación especial con el espacio. Ya no me cruzaba con él en el cuarto de baño por las noches, no le oía resoplar en la cama a mi lado, no encontraba los restos de su café en la cocina cuando me levantaba —porque siempre me levantaba después que él: Ramón era funcionario del Ministerio de Hacienda y tenía un horario regular—. Cuando vives a dos el mundo se adapta a ese ruido, a ese ritmo, a esos perfiles, y la súbita ausencia del otro desencadena un cataclismo en el paisaje. Me sentía como el ciego a quien un día cambian los muebles de lugar sin advertírselo, de manera que el salón de su casa, tan conocido, se convierte de repente para él en un territorio tan ajeno y desconcertante como la tundra.


Royal de Luxe

Arte
001 - Royal de Luxe
La magia callejera, con marionetas que cuentan historias

Royal de Luxe es una compañía francesa de teatro callejero, que se caracteriza por usar marionetas gigantes en sus obras. Ésta fue fundada en 1979 por Jean Luc Courcoult. Instalada en Nantes, la compañía se ha presentado en diversas partes del mundo.
Esta empresa es un mítico icono dentro de las compañías de teatro de calle, ya que sus producciones llegan a engrandecerse de tal modo, que hace que nos sintamos diminutos frente a sus gigantescas marionetas mecánicas, convirtiendo al espectador en una pequeña hormiga que observan asombrado la grandeza de este espectáculo.
Todo comienza en 1979 en Aix-en-Provence (Francia), donde su fundador Jean Luc Courcolult junto con la ayuda de otros compañeros músicos y actores, crea su primera producción “Cape Horn” (El cabo de Hornos). Para Jean Luc Courcoult la creación de imágenes, se vuelve un verdadero medio de comunicación y de expresión; este gran creador, descubre desde muy joven que a través de este sistema puede llegar a controlar sus emociones y, rápidamente, decide dedicar su vida al teatro. Totalmente convencidos de que sería más fácil llegar a la audiencia saliendo a la calle y a los espacios públicos que, arrastrándoles a las salas de los teatros. Después de su primer show, no se detiene y desarrolla en 1980 una nueva producción “The Mysteries of the big freezer” (Los misterios del congelador). Los espectáculos de Jean Luc muestran su deseo de desviar los objetos de su lugar cotidiano y transformarlos en los héroes de un mundo maravilloso y extraordinario.
Pese al crecimiento y reconocimiento a gran escala de la compañía, no pierde sus principios iniciales y siguen realizando sus presentaciones de forma gratuita frente a un público de hasta 10.000 espectadores
La compañía viaja de gira en 1992 a América del Sur con su espectáculo “La verdadera historia de Francia”, y se representa en seis países de la costa atlántica de América latina.
Será en septiembre de 1993 cuando la compañía realice uno de sus espectáculos más impresionantes, con voluntad de contar una historia a una ciudad entera durante tres días. Para ello crean “El gigante caído del cielo”, un muñeco enorme manipulado mediante poleas y cuerdas por un equipo de actores que a la vista se asemejan con los Liliputienses y generan a los ojos del espectador un aspecto imaginario fantástico. El gigante comienza a viajar por diferentes ciudades, contando su mágica historia y poco a poco va llenándose de vida entusiasmando al público que lo contempla.
Royal de Lux ha logrado convertirse en una de las compañías de teatro de calle más importantes del mundo, su originalidad, su trayectoria y su pasión por el trabajo les posiciona en primer lugar dentro de los espectáculos teatrales. La grandeza de sus creaciones mueven a los ciudadanos en masa y consiguen que el público se sumerja en un mundo donde la realidad y la fantasía van de la mano. El espectador encuentra dentro del espacio urbano una serie de seres y acciones que rompen la normalidad de nuestras vidas, que nos hace sentir muy pequeños y nos deja atónitos frente a sus sorprendentes espectáculos.
La compañía no deja de trabajar, de crear fantásticos gigantes en forma animal y humana, con un gran trabajo de mecánica e ingeniería previo; cientos de personas dedican su tiempo y esfuerzo en estas creaciones para conseguir el resultado final tan esperado. Estos cuentos contemporáneos se ofrecen a escala de una ciudad entera y duran tres días, en cuyos guiones abrazan la historia de un país, dirigiéndose hacia un público amplio, sensible a lo emocionante y poético.
Video: https://www.youtube.com/watch?v=vuVOANuk0-k





domingo, 3 de noviembre de 2013

Andalucía - España

020 – Andalucía – España
Tierra de contrastes

La milenaria historia de Andalucía ha dejado en herencia un inmenso legado artístico. La Alhambra de Granada, la Mezquita de Córdoba o la Giralda y casco histórico de Sevilla son hitos monumentales de la Humanidad, pero en la inmensa mayoría de sus ciudades y pueblos se encuentran representados los mejores momentos de la vida artística andaluza a través de los tiempos.
La brillante arquitectura islámica, renacentista y, sobre todo, barroca de sus edificios más importantes, sus castillos, fortalezas y monasterios, diseminados por toda su superficie, completan un patrimonio de enorme trascendencia. La patria de Velázquez, Murillo y Picasso dispone de lienzos, esculturas, joyas, imágenes y restos arqueológicos que se reparten por catedrales, museos, iglesias, conventos y palacios como guardianes de un potente desarrollo artístico. En la localidad más alejada es posible encontrar un retablo de primera categoría, una obra maestra de la pintura o una pieza de la más elaborada orfebrería.
La variedad de fiestas y celebraciones en Andalucía es tan amplia como su geografía, y su calendario es una auténtica enciclopedia donde se resumen las artes y costumbres de sus pueblos.
En las fiestas de primavera, de siembra y cosecha, en cada fiesta patronal, feria, vendimia, verbena y romería se pone de manifiesto lo más elaborado de su artesanía, gastronomía, música y creencias religiosas.
Los carnavales inician ruidosamente la serie, subvirtiendo con humor e ironía los papeles cotidianos. En Semana Santa los templos sacan en procesión sus más valiosos tesoros para acompañar las imágenes de la Pasión, recorriendo un itinerario que se repite fielmente cada año. La festividad del Corpus es el argumento para un brillante desfile. Las Cruces de Mayo aúnan espectacularmente lo religioso y lo profano.
La Fiesta de los Toros tiene en Andalucía una importancia fundamental por su gran arraigo, y durante tres cuartas partes del año se celebran corridas en sus numerosas plazas, coincidiendo con las ferias locales, donde se baila y se canta al son de las guitarras. El flamenco es la expresión más genuina del folclore andaluz. Los festivales de cante en período estival establecen un calendario de actuaciones para todos los gustos.
Las romerías son procesiones piadosas y festivas que tienen como escenario la naturaleza, huella de los antiguos ritos de la fertilidad.
Han alcanzado gran renombre su cerámica y alfarería, sus trabajos artísticos en metal y joyería, las labores del cuero para calzado, la producción textil artesanal, que va desde la fabricación de mantas a los bordados y mantones, y toda una muestra de habilidades que incluyen al mueble, fibras vegetales, encuadernación, trabajos en piedra y mármol e instrumentos musicales, entre otras.
La alimentación del Mediterráneo está de moda. Productos básicos como las hortalizas, frutas, pescados y el aceite de oliva virgen se han convertido en un aliciente importante en la cocina andaluza.
Basa sus platos en las materias primas de su región, pudiendo degustar platos de pescado en las provincias costeras y platos de carne en las de interior. La enorme variedad de frutas estará presente en todos ellos, quizás la única diferencia sea el toque personal que cada pueblo otorga a sus platos típicos.
La gastronomía andaluza tiene profundas huellas de la cocina árabe de al-Ándalus. Su refinamiento transformó muchas costumbres.
Los potajes de legumbres y verduras y los guisos de caza,  junto a las formas de preparar el pescado configuran la esencia de esta cocina.

sábado, 2 de noviembre de 2013

Sharbat Gula

Fotografía
019 - Sharbat Gula
El poder de una mirada

Sharbat Gula fue fotografiada cuando tenía 12 años por el fotógrafo Steve McCurry, en junio de 1984. Fue en el campamento de refugiados Nasir Bagh de Pakistán durante la guerra contra la invasión soviética. Su foto fue publicada en la portada de National Geographic en junio de 1985 y, debido a su expresivo rostro de ojos verdes, la portada se convirtió en una de las más famosas de la revista. Sin embargo, en aquel entonces nadie sabía el nombre de la chica, por lo que era conocida simplemente como la niña afgana. La foto volvió a la portada de la revista en una edición especial en noviembre de 2001.
El mismo hombre que la fotografió, Steve McCurry, la encontró de manera poco común, puesto que no se volvía a ver con casi ninguna persona fotografiada, después de diecisiete años. El fotógrafo realizó numerosos viajes a la zona hasta que, en enero de 2002, encontró a la niña convertida en una mujer de treinta años y pudo saber su nombre. Sharbat Gula vive en una aldea remota de Afganistán, es una mujer tradicional pashtún, casada y madre de tres hijas más una cuarta que murió cuando era pequeña. Su marido, con quien se casó a los trece años, poco después de su famosa fotografía, se llama Rahmat Gul y sus tres hijas Robina, Zahida y Alia. Sharbat volvió a Afganistán en 1992. Nadie la había vuelto a fotografiar hasta que se reencontró con McCurry y no sabía que su cara se había hecho famosa. La identidad de la mujer fue confirmada al 99,9% mediante una tecnología de reconocimiento facial del FBI y la comparación de los iris de ambas fotografías.
Su historia fue contada en la edición de abril de 2002 de la revista y en un documental para televisión titulado Niña desaparecida: misterio resuelto (que después fue comercializado en DVD con los nombres de En busca de la joven afgana y En busca de la muchacha afgana). La sociedad que publica la revista creó en su honor una organización caritativa llamada Afghan Girls Fund, que ayudaba al desarrollo y creación de oportunidades educativas para las niñas y mujeres afganas. En 2008, este proyecto creció para ayudar también a niños y pasó a llamarse Afghan Children's Fund.
Video: http://www.youtube.com/watch?v=z59BS897WkY

Federico Fellini

018 - Federico Fellini
El cineasta de los recuerdos

Un mito de la historia del cine contradictorio, satírico, apasionado y único.
Cada película es una parte esencial de su vida. Las calles de Rímini por donde vagaba sin hacer nada, el colegio religioso en el que estudió, los domingos invernales en que los sacerdotes le llevaban a la playa, su afición por la mentira, su admiración por el circo, su gusto por extraer la belleza de lo vulgar. Funcionan en este autor original como un bálsamo que más tarde referenciará en sus filmes de una u otra forma. Un cineasta mitificado, que obtuvo un gran reconocimiento en vida, lo cual no siempre es fácil.
Es universalmente considerado como uno de los principales protagonistas en la historia del cine mundial. Ganador de cuatro premios Óscar por mejor película extranjera, en 1993 fue galardonado con un Óscar honorífico por su carrera.
Durante casi cuatro décadas –desde El jeque blanco en 1952 hasta La voz de la luna en 1990– y dos docenas de películas Fellini realizó un retrato de una pequeña multitud de personajes memorables. Decía de sí mismo que era "un artesano que no tiene nada que decir, pero sabe cómo decirlo". Su obra es ampliamente considerada como única e inolvidable, llena tanto de asperezas como de sátira, y veladas de melancolíaSus primero acercamientos al cine están signados por su alma de guionista, colabora con filmes importantisimos como "Roma ciudad abierta" y "Paisa". Donde comienza a tener relevancia su nombre como escritor.
Su primero película como director seria varios años después en 1948 llamada "Luci del varietà" (1951), donde comienza a declinar en un estilo propio, entre lo lógico y lo onirico.
Luego en 1952 graba “Lo sceicco bianco” y ya con "Los inútiles (I Vitelloni)" gana su primer premio importante.
“La stada” en 1954 le da mas y mas premios. Sigue grabando y para el año 1959, en el que graba “La dolce vita”, ya se había convertido en el director Europeo mas importante.
En ese punto aparece en la vida y la poética del director, el maravilloso actor, quien seria durante toda su vida, el actor fetiche del director Marcello Mastroianni.  En el año 1963 sale "Fellini ocho y medio (8 e 1/2)", película con la cual el maestro Fellini gana su tercer Oscar, y es tomada como la mejor película del director.
Luego de años de grabación en 1973 decide retornar a su mente y recuerdos de la infancia, pegado sobre este proceso aparece el film “Amarcord” y pegado a este el maravilloso “Casanova”, una obra por el gran artista del sexo de finales de época, una obra maestra de la perfección.
Ese es como su pico mas alto, de ahí comienza a levemente decaer, igual sin perder la gracia ni lo maravilloso con películas como "La ciudad de las mujeres” (1980) y "Y la nave va (1983).  
Su ultima película "La voz de la luna” (1990), es una atractiva autobiografía, pero puesta en ojos de dos linyeras, y lo demás, silencio…
Muere en Roma en 1993.




jueves, 31 de octubre de 2013

Casa Botín

Gastronomía
017 - Casa Botín
El restaurant más antiguo del mundo

Fundado en 1725. Como hecho anecdótico referido a esta época cabe señalar que el Libro Guinnes de los Records, en su edición de 1987, afirma que un adolescente Goya, allá por 1765, trabajó como friegaplatos en Botín. En esta misma edición se designa a Botín como el restaurante más antiguo del mundo.
Historia
Jean Botin y su esposa fundaron en el año 1725 (fecha grabada en piedra a la entrada) como posada con un horno de leña, el local ubicó su negocio en la planta baja (sobre la que hicieron una reforma) del edificio de la Calle Cuchilleros, 17 (muy cerca de la Plaza Mayor de Madrid). Ubicado en una zona muy céntrica de la capital. El negocio a la muerte de Jean y esposa recayó sobre un sobrino de ellos que se llamaba Candido Remis. El nombre actual de este local "Sobrino de Botín" procede de aquella época (1868). 
Características
El restaurante presenta una imagen del siglo XVI, ocupa cuatro plantas del edificio. En su interior los techos son bajos. La decoración se encuentra recargada de muebles y reliquias del pasado. Posee una única entrada cubierta de madera. Trabajan casi 70 personas en sus instalaciones. Posee una capacidad de unos 200 comensales, por regla general se sirven entre 350 y 400 comidas y cenas, habiendo registrando su récord en 735 por día.
Las especialidades que se sirven en el local se fundamentan en la cocina castellana y madrileña. Los asados castellanos siendo muy afamado el cochinillo asado y cordero asado (Cordero lechal) que se realiza en su antiguo horno de leña que reside en el interior de la cocina. El asado de cordero lechal se prepara con aceite de oliva, pimentón, sal y ajo haciéndolo girar lentamente al fuego (asado media hora por cada lado). Son famosas las sopas al estilo castellano, una de las más mencionadas es la sopa al cuarto de hora (sopa de pescado). La repostería es muy famosa y se fundamenta en recetas clásicas: pestiños, bartolillos y flan de huevo.
Curiosidades
Se menciona que el pintor Francisco de Goya estuvo trabajando en sus cocinas en 1765, antes de destacar como pintor (con 19 años).
Una de las placas exteriores recuerda que el gran novelista Benito Pérez Galdós en su obra Fortunata y Jacinta menciona el restaurante (publicado en 1886-1887). La placa fue puesta por la Cámara de comercio e Industria el 25 de mayo de 1971. Lugar donde comieron los protagonistas de la novela: sus protagonistas Juanito Santa Cruz y Fortunata.[6] Lo cierto es que en la novela se menciona una pastelería diciendo: "anoche cenó en la pastelería del sobrino de Botín".
El escritor norteamericano Ernest Hemingway era un asiduo visitante durante sus estancias en Madrid y uno de los personajes de "The sun also rises" (Jake) declara haber comido en Botín.
Indalecio Prieto menciona en su libro "Mi vida" los deliciosos bartollillos que se elaboran.
Graham Greene menciona el restaurante en su libro “Monseñor Quijote”
Frederick Forsyth en “El manifiesto negro


miércoles, 30 de octubre de 2013

Jorge Luis Borges

Literatura
016 - Jorge Luis Borges
Siempre fiel a si mismo

Jorge Luis Borges nació en Buenos Aires el 24 de agosto de 1899. Por influencia de su abuela inglesa, fue alfabetizado en inglés y en español. En 1914, viajó con su familia a Europa y se instaló en Ginebra, donde cursó el bachillerato. Pasó en 1919 a España y allí entró en contacto con el movimiento ultraísta. En 1921, regresó a Buenos Aires y fundó con otros importantes escritores la revista Proa. En 1923, publicó su primer libro de poemas, Fervor de Buenos Aires. Desde esa época, se enferma de los ojos, sufre sucesivas operaciones de cataratas y pierde casi por completo la vista en 1955. Tiempos después se referiría a su ceguera como "un lento crepúsculo que ya dura más de medio siglo". 
Desde su primer libro hasta la publicación de sus Obras Completas (1974), trascurrieron cincuenta años de creación literaria durante los cuales Borges superó su enfermedad escribiendo o dictando libros de poemas, cuentos y ensayos, admirados hoy en todo el mundo. Recibió importantes distinciones de diversas universidades y gobiernos extranjeros y numerosos premios, entre ellos el Cervantes en 1980. Su obra fue traducida a más de veinticinco idiomas y llevada al cine y a la televisión. Prólogos, antologías, traducciones, cursos y charlas dan testimonio de la labor infatigable de ese gran escritor, que cambió la prosa en castellano, como lo han reconocido sin excepción sus contemporáneos. Borges falleció en Ginebra el 14 de junio de 1986. 
Desde su primer libro hasta la publicación de sus Obras Completas (1974), trascurrieron cincuenta años de creación literaria durante los cuales Borges superó su enfermedad escribiendo o dictando libros de poemas, cuentos y ensayos, admirados hoy en todo el mundo. Recibió importantes distinciones de diversas universidades y gobiernos extranjeros y numerosos premios, entre ellos el Cervantes en 1980. Su obra fue traducida a más de veinticinco idiomas y llevada al cine y a la televisión. Prólogos, antologías, traducciones, cursos y charlas dan testimonio de la labor infatigable de ese gran escritor, que cambió la prosa en castellano, como lo han reconocido sin excepción sus contemporáneos. Borges falleció en Ginebra el 14 de junio de 1986. 
Borges tuvo dos amigos íntimos durante la mayor parte de su vida: los escritores Adolfo Bioy Casares y Manuel Peyrou. A Bioy Casares lo conoció en la casa de, su también amiga, Victoria Ocampo, a Peyrou se lo presentaron en un bar alemán de la calle Corrientes cerca de Pueyrredón, en la década de 1920. La relación de amistad con cada uno de ellos fue profundamente diferente. Con Bioy se trataba de una amistad "a la inglesa", que excluía las confidencias; la que mantuvo con el segundo, en cambio, incluyó las confesiones más íntimas y personales. Cuando Borges necesitó la ayuda de un psiquiatra —así lo reveló Estela Canto—, fue Peyrou quien se lo recomendó. Tras la muerte de su amigo en 1974, Borges escribió un poema que lleva por título Manuel Peyrou y que publicó luego en Historia de la noche.
Documental: https://www.youtube.com/watch?v=ah2ppZzO8lM



Modernismo catalán

Arquitectura
015 – Modernismo catalán
Un estilo basado en la naturaleza

El modernismo catalán es un estilo arquitectónico que se desarrolla en Cataluña (España) y principalmente en Barcelona, a lo largo de unos 50 años, entre 1880 y 1930. Aunque es parte de una corriente general que surge en toda Europa, en Cataluña adquiere una personalidad propia y diferenciada, y se convierte en el modernismo probablemente más desarrollado.
Se manifestó sobre todo en Cataluña, donde se recibía mayor influencia europea, y como una forma
de singularizarse respecto al resto de España y reforzar el nacionalismo.
Los artistas modernistas (pintores, arquitectos, etc.) se reunían en el café literario barcelonés “Els Quatre gats”, desde 1897. Una revista que difundió el estilo fue Pel i Ploma, publicado por RamonCasas (pintor).
Arquictectura
El arquitecto Doménech i Montanerfue fue quien definió el “modernismo arquitectónico” con un artículo llamado “En busca d’una arquitetura nacional”, publicado en la revista “Renaixença”.
Características:
-los ejemplos principales están en Barcelona.
-es el más barroquizante o decorativo de Europa
-mezcla de formas vegetales orgánicas propias del modernismo internacional, con recuperación de estilos y materiales del pasado: recuperación del gótico, empleo del ladrillo.
-recuperación de técnicas artesanales autóctonas españolas: azulejo árabe o cerámica vidriada como decoración (recuerdo y admiración por formas y técnicas de un pasado no industrial)
-empleo del hierro, incluso para arcos.
-se hicieron edificios o casas particulares para la alta burguesía comercial, comercios, librerías, mercados, etc.
Destacaron los arquitectos:
-Puig i Cadafat: “Casa Amantller” (Barcelona)
-Doménech i Montaner. Es significativa su Casa Lleo (Barcelona),
con recuerdos claros del gótico en los remates apuntados o agujas;
recuerdos árabes en ventanas lobuladas, etc.
Otras obras de Montaner:
Hospital de la Santa Creu, Palacio de la Música.
Antonio Gaudí,:
Fue el más imaginativo. De niño estuvo enfermo (reumatismo…) y pasaba temporadas en reposo en el campo, donde observaba y dibujaba formas de la naturaleza.
Hizo estudios de arquitectura (también estudió filosofía, economía…)
Tras acabar su carrera, el conde Güell se convirtió en su mecenas y protector. En sus muchos encargos le dejaba libre para crear.
Murió atropellado por un tranvía en 1926.
Características propias de Gaudí:
-gusto por recuperar y mezclar estilos arquitectónicos: azulejería árabe (le gustaba la luz y la plasticidad de los azulejos); elementos clásicos (le gustaba usar solemnes columnas dóricas); estilo gótico (empleo de ladrillo, bóvedas, arcos apuntados, pináculos y agujas como remates, etc.).
-los edificios se envolvían en una profusa decoración, imaginativa y surrealista.

martes, 29 de octubre de 2013

Paperthin Music Video

Animación
0014 - Paperthin Music Video
Un emotivo relato y una excelente realización

Una sencilla pero bellísima realización denominada “Paperthin Music Video”, fantástico videoclip creado y animado 100% en stop motion y con pedazos de papel por Hettie Griffiths, una estudiante a punto de graduarse del curso de Motion Design en la universidad de Glamorgan Cardiff, UK. en mayo de 2010.
Este video relata en forma simple y muy expresiva una historia mínima, cotidiana, apenas un pretexto para ponerle imagen a esta bella canción titulada Paperthin, interpretada por el joven cantautor británico Pete Lawrie, (nacido en Penny Lane, ciudad de Gales).
Stop motion
El stop motion es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. Stop motion es un anglicismo que empezó a penetrar en el uso de la lengua española en tiempos relativamente recientes. Tradicionalmente se lo ha designado en español con muchos términos diferentes, como por ejemplo animación en volumen, parada de imagen, paso de manivela, animación foto a foto, animación fotograma por fotograma o animación cuadro por cuadro, por citar sólo algunos ejemplos.
Los orígenes de esta técnica se funden con la propia historia de la cinematografía. Hay que destacar que uno de sus pioneros fue un español, Segundo de Chomón, quien recurrió a esta técnica en películas como La casa encantada (1906) y El hotel eléctrico (1908). Hay que destacar también al cineasta ruso Ladislaw Starewicz, quien en el año 1912 realizó la película La venganza del camarógrafo, donde se narra la historia de una familia de escarabajos que se destruye a causa de la infidelidad entre sus cónyuges. Otro destacado pionero en esta técnica fue Willis O'Brien, quien animó King Kong en 1933. Su alumno Ray Harryhausen hizo un gran número de películas con la misma técnica.
El stop motion fue y sigue siendo, una técnica muy utilizada en Europa del Este: Revolution in toyland (1946) de Hermina Tyrlová, The hand (1965) de Jirí Trnka y Meat Love (1989) de Jan Svankmajer. Nombramos aquí algunos, de muchos otros grandes creadores.


El teatro negro de Praga

Arte
013 - El teatro negro de Praga
Una perfecta combinación: la magia poética del arcoiris en un escenario negro

El principio del Teatro Negro es un juego óptico conocido como el truco de la caja negra, que se aprovecha de la imperfección del ojo humano, el cual no puede distinguir el negro sobre el negro. Aplicado al Teatro Negro, el público no puede ver un actor vestido de negro sobre un fondo negro, iluminado por la luz ultravioleta. Así, objetos movidos por estos actores, e incluso los propios actores, nos dan la impresión de volar en el espacio.
Es un viejo truco utilizado por primera vez China para entretener a los emperadores. Japón lo utilizaría en el s.XVIII en los teatros de marionetas japonesas. A finales del s.XIX y principios del s.XX, George Melies utilizó este truco para rodar sus primeras películas. En los años 50 los titiriteros de la vanguardia francesa lo utilizaron vistiendo a los actores de negro; uno de ellos, George Lafaye, es conocido desde entonces como el padre del Teatro Negro.
El Teatro Negro hace de este truco el tema central, creando un lenguaje escénico que se ha hecho famoso en todo el mundo, gracias a las compañías checas de Teatro Negro.
El Teatro negro de Praga fundado en 1961. Es un tipo de representación escénica muda que se caracteriza por dar lugar a un fantástico juego de luz y de sombras.
La técnica empleada le distingue de otros tipos de representación teatral. Se utilizan cortinas negras, un escenario de color oscuro, linternas negras y trajes fosforescentes. La danza, las representaciones mímicas y las acrobacias tienen igualmente una gran importancia en el teatro negro.
El grupo de teatro negro de Praga es la mejor compañía del mundo en este tipo de obras y hace giras por todo el mundo cada vez que estrena en cartelera un nuevo guión.
Es uno de los elencos teatrales más famosos de todo el mundo y agotan sus entradas en todas las funciones que brindan.
Son expertos en la técnica llamada “caja oscura”, donde mediante una serie de objetos flúo logran un perfecto efecto en el que parece que los actores están flotando en el aire.
Al igual que sucede con otras grandes compañías como el Circo de Solei, el teatro negro de Praga cuenta con una gran cantidad de actores y técnicos que componen varios elencos estables, interpretando más de una obra simultáneamente en diferentes lugares.







Enya

Música
012 – Enya
Los druidas habitan en un pentagrama celta llamado Enya

Enya es una cantante irlandesa de música new age.
En su localidad natal en el condado irlandés de Donegal, Gweedore (17 de mayo de 1961, Eithne Ní Bhraonáin -más conocida mundialmente como Enya Brennan- siempre estaba en contacto con la naturaleza y por supuesto con los árboles. No es de extrañar que éstos hayan aparecido en un momento dado como influencia en su obra, más teniendo en cuenta su cualidad, según los druidas y la mitología irlandesa, de ser los guardianes sagrados de la memoria.
Mujer sencilla, celosa de su intimidad, de apariencia casi mística), gustos exquisitos (cine clásico, pintura, música), artista que se inspira de numerosas fuentes (clásica, folk, sinfónica, new age...), "la voz de Irlanda". Nunca realiza conciertos, y sus actuaciones en directo son escasas. Comenzó su carrera en Clannad, conocidísimo grupo folk al que pertenecía por familia, pero que deja en 1982 para continuar en solitario. Desde entonces hasta ahora, siete álbumes (sin contar reediciones), dos recopilatorios y numerosas rarezas.
Comenzó su carrera musical en 1980, cuando se unió por un breve periodo a Clannad, el grupo musical formado por varios de sus familiares, antes de lanzar su carrera en solitario. Con su álbum Watermark, lanzado en 1988, alcanzó relevancia internacional, y Enya empezó a resultar conocida por su sonido único, caracterizado por el empleo de múltiples «capas de voz», sintetizadas a partir de la propia, melodías folk, fondos de sintetizador y reverberaciones etéreas. En cuanto a las letras, para las que suele contar con la letrista Roma Ryan, es conocida por haber cantado en diez idiomas diferentes a lo largo de su carrera, principalmente en gaélico irlandés y en inglés, pero también en latín, quenya, español o «loxian», una lengua construida por la misma Ryan.
Mantuvo su éxito en los años 1990 y 2000: su álbum A Day without Rain, de 2000, alcanzó la tremenda cifra de 16 millones de unidades vendidas; y ella fue nombrada la artista femenina de más ventas en 2001. Es la artista irlandesa en solitario de mayores ventas totales, así como, oficialmente, la segunda artista exportadora del país, tras la banda U2. Las ventas totales de sus álbumes han alcanzado en 2008 la suma de 70 millones de unidades.
Su trabajo ha merecido, entre otros muchos reconocimientos, la nominación a un Óscar, un Globo de Oro y un Grammy por su canción «May It Be».
Ama los gatos. Señala que cuando era pequeña sólo sabía flotar en el agua, y que su mayor error en toda la vida ha sido no aprender a nadar nunca. Su compositor clásico favorito es Sergéi Rajmáninov. También le gusta ver películas en blanco y negro, coleccionar trabajos artísticos, leer y pintar. Una de sus películas favorita es Rebeca.


sábado, 12 de octubre de 2013

El carnaval de Venecia, tradición aristocrática

Arte
011 - El carnaval de Venencia
El carnaval de Venecia, tradición aristocrática

La fiesta más popular de Venecia es el Carnaval cuya tradición se remonta al siglo XI cuando Venecia comenzaba a dominar marítimamente importantes porciones del mar Mediterráneo.
El carnaval de Venecia fue fundado por Christopher Tolive que era el secretario principal del rey de Venecia. Este pensaba que era necesario algo para que la nobleza de este país pudiese salir a ver al pueblo común y corriente.
Actualmente la tradición es que la población se disfrace con ostentosos y bellos disfraces para exponerlos a los turistas que apenas algunos llevan una simple máscara. El Carnaval de Venecia es único en el mundo.
Con Napoleón el Carnaval quedó prohibido por miedo a que se generaran conspiraciones y se recuperó en 1979. El Carnaval es totalmente distinto al resto del mundo, Durante los 10 días que dura, la gente se disfraza y sale a la calle a pasear y a hacerse fotos, ya sea en desfiles organizados, o improvisados. Hoy miles de visitantes acuden a Venecia en estas fechas para admirar los espectaculares disfraces de quienes invierten miles de euros para lucir como una estrella durante algunos días del año o sólo para mezclarse entre la gente y perderse por las callejuelas de esta ciudad única. Los disfraces son trajes de época del siglo XVII veneciano, como si estuvieran recién salidos de un cuadro de época. Durante el Carnaval también se organizan muchos eventos y fiestas, algunas de ellas privadas a las que es difícil asistir sin invitación. Los precios de las fiestas también son altos, y una noche puede llegar a costar hasta 500€. Los turistas no se disfrazan. El objetivo de la mayoría de los visitantes es ver Venecia en Carnaval y hacerse fotos con los mejores disfraces.
El carnaval se creó para conceder a la población más pobre un momento de diversión y burlarse públicamente de la aristocracia. De ahí viene lo de usar máscaras que puedan ocultar la identidad. En el siglo 18 vivió un personaje peculiar, Giacomo Casanova, que encarna perfectamente el espíritu de su tiempo.
El carnaval se creó para conceder a la población más pobre un momento de diversión y burlarse públicamente de la aristocracia. De ahí viene lo de usar máscaras que puedan ocultar la identidad. En el siglo 18 vivió un personaje peculiar, Giacomo Casanova, que encarna perfectamente el espíritu de su tiempo.
El primer domingo de Carnaval se celebra el vuelo del Ángel o de la Colombina, una paloma de metal lanzada desde el campanario hacia el Palacio Ducal uno de los símbolos más importantes de Vencia. El pájaro se ha cambiado por una persona que interpreta al ángel. El Gran Canal es también un escenario muy importante estas celebraciones, desde allí se miran las góndolas o se pasea disfrutando una "frittella", el dulce típico. El récord de visitantes y eventos se alcanza el día de Martes de Carnaval.



jueves, 1 de agosto de 2013

Regina Spektor

Música
010 - Regina Spektor
Un piano y un registro vocal generoso

Regina Spektor es una cantante y pianista estadounidense de origen ruso que está activa desde el año 1999
Regina nació el 18 de febrero de 1980 en Moscú. Spektor proviene de una familia muy musical: su padre fue violinista y su madre, profesora de música. En Rusia, Spektor tocaba el piano desde que tenía seis años, y escuchaba bandas de rock, como The Beatles y Queen. Cuando contaba con 9 años, ella y su familia abandonan Rusia y fijan su residencia en Estados Unidos. Actualmente vive en el Bronx, Nueva York.
Cuentan que de pequeña Regina soñaba con ser concertista clásica de piano y que los primeros años de su nueva vida en América, habiendo tenido que dejar su instrumento en su lejano país de nacimiento, los pasaba la niña practicando escalas en cualquier superficie plana, ya fuera el tablero de una mesa o el alféizar de una ventana.
Durante su adolescencia fue descubriendo nuevas músicas, básicamente pop y jazz, que fueron dirigiendo sus pasos hacia terrenos alejados de su formación clásica. Dice haber descubierto a Radiohead a los veintiún años o a Tom Waits a los veintidós gracias a cintas que le grababan sus amigos.
A través de The Strokes (banda de la que, además de amiga, fue voz femenina para Modern Girls And Old Fashion Men, canción que interpretó a dúo con Julian Casablancas) y de Alan Bezozi (conocido como músico de estudio), los dos primeros discos de Spektor -11:11 y Songs-, grabados de forma casera y autoeditados por ella misma, cayeron en manos del productor Gordon Raphael. El hombre se sintió hechizado por la capacidad expresiva y los extraños registros de su voz, y le propuso grabar unas canciones en su estudio. Juntos (Bezozi, Raphael y la propia Spektor), produjeron Soviet Kitsch. Ese fue el paso decisivo hacia la creciente popularidad de la que hoy disfruta.
En los últimos años ha pasado de tocar ante entregadas pero pequeñas audiencias en lugares como el Sidewalk Café (uno de los centros neurálgicos de la movida anti-folk de Manhattan) y otros garitos similares del Lower East Side neoyorkino a llenar lugares con aforos superiores a las mil personas como el Irving Plaza de Nueva York o el Shepherd´s Bush Empire de Londres. Su disco Begin to Hope llegó a ser nº1 de la U.S. Billboard Top Heatseekers. En verano de 2009 publica su cuarto album de estudio, Far.
Regina Spektor se cuenta como una de las voces más especiales surgidas en el pop contemporáneo. Cuando se quiere hablar de ella se recurre a nombres como los de una Laura Niro más pop, Fiona Apple, Tori Amos, Joni Mitchell, Édith Piaf y hasta Billie Holiday o Björk. De todas puede tener algo Regina, pero este es uno de esos casos en los que las referencias no bastan.

Audio : https://www.youtube.com/watch?v=P4Rpknp-roo

Te

stock.xchng
Gastronomía
009 - Té
El té es la segunda bebida más consumida del mundo después del agua

Esta planta es originaria de China meridional, pero se cultiva y se consume desde hace 3.000 años, en todo el sudeste asiático, porque con ella se prepara una infusión, que es la bebida por antonomasia en Oriente. También se cultiva y se utiliza muchísimo en Tailandia, India, Ceilán,…Fue introducido en Europa a mediados del siglo XVII por los ingleses que habían colonizado la India. Las nueve décimas partes del té que se consume en el mundo proceden de la Asia Monzónica. Todas las clases de Té salen de la misma planta, Camelia Sineris, la diferencia estriba en el modo de tratarlas tras su recolección. El té contiene muchos activos. Sus propiedades son variadas y curativas.
Existen más de 200 tipos distintos de Té, pero se pueden clasificar en 5 variedades básicas: Té Verde, Té Oolong o rojo, Té Negro y Té Blanco:
Té Verde: se usan sus hojas frescas, yemas y parte tierna del tallo. Se enrollan, se dejan secar a la sombra durante muy poco tiempo, para que no fermenten.
Propiedades: diurético, antioxidante, para las hemorragias, anti-cancerígeno, anti-tumoral, potenciador del sistema inmunológico, regulador intestinal.
Contiene vitamina C y aminoácidos.

Té Oolong o Rojo: lo utilizaban los emperadores chinos desde la antigüedad por que se le tenía por una exquisitez y por sus poderes adelgazantes y favorecedores de la longevidad. Procede de la ciudad de Kunming, en la provincia de Yennen.
Se machacan sus hojas y se secan al sol, hasta su fermentación parcial. Su aroma es ahumado y resinoso. La variedad Pu erh: baja los niveles de colesterol, la tensión y favorece la circulación.
Propiedades: es bueno contra los triglicéridos y el colesterol malo, así como para el ácido úrico. En un reductor de grasa muy efectivo y se usa en las dietas de adelgazamiento.

Té Negro: es el té común y el más utilizado en Europa, EE.UU. y en algunos países sudamericanos. Está compuesto de tanino y astringentes y va muy bien para detener las diarreas.
Té Blanco: es el más nuevo y el mejor, pero es carísimo, porque es muy difícil de obtener. Sus propiedades son mejores que todos los demás juntos. Procede de China, se cultiva en las altas montañas. De él se utilizan las flores con sus estambres (pelillos), que es donde se concentran más sus propiedades. Se dejan secar sin ser manipulados ni fermentados. Su propiedades: anti-cancerígeno, anti-óxidante, aporte importante de vitaminas C y E, fortalece el cabello, estimula las defensas, es bueno para la menopausia, combate los radicales libres, anti-arrugas, anti-envejecimiento, disminuye niveles de azúcar en la sangre.
Té Mosqueta: es un gran complemento vitamínico, se complementa muy bien con el té Verde. Tiene vitaminas C, B. K, ácido cítrico, pectina, caroteno.
Tiene propiedades curativas y sus aceites esenciales se usan mucho en aromaterapia y en cosmética. Es laxante, diurético, anti-óxidante, astringente, contra las infecciones, regula los desequilibrios inmunológicos, contra el cansancio.
Culinariamente se utiliza para hacer mermeladas, tintes, extractos para bebidas alcohólicas, gelatinas, sopas, cremas…

Video: http://www.youtube.com/watch?v=ykUps-_DiWY

miércoles, 31 de julio de 2013

Ingmar Bergman

Cine
008 - Ingmar Bergman 
Un icono de la cinematografía mundial

Ingmar Bergman (Uppsala, Suecia; 14 de julio de 1918 - Fårö; 30 de julio de 2007) fue un guionista y director de teatro y cine sueco. Considerado uno de los directores de cine clave de la segunda mitad del siglo XX, para muchos, el más importante de la cinematografía mundial.
Dos dramaturgos, Henrik Ibsen y, sobre todo, August Strindberg , le influyeron e introdujeron en un mundo donde se manifestaban los grandes temas que tanto lo atraían, cargados de una atmósfera dramática, agobiante y aun desesperanzada, lo que deja una profunda huella en el espíritu del joven Bergman y una marcada influencia en su obra artística.
Su narrativa visual suele ser deliberadamente lenta, con un montaje y una secuencia de planos mesurados, esto con el fin de lograr un suficiente tiempo de reflexión entre los espectadores, aun cuando ya estén «capturados» en la diégesis; sin embargo tal lentitud está, como en Andrei Tarkovsky, lejos de la monotonía merced a la carga del mensaje o a la excelente marcación actoral; otra característica de su estética fílmica es la limpieza de las imágenes.
Los personajes de Bergman arrastran un pesado lastre en sus mentes, en sus sentimientos. En general son adultos, salvo el caso del niño de El silencio (muy revelador, aunque sea Esther la que tiene el 'alumbramiento', el personaje que interpreta Ingrid Thulin). La inquietud que sienten esos personajes es más o menos latente, pero progresivamente irá revelándose ante el espectador produciendo un efecto de iluminación y a veces sólo devastador.
Film Fanny y Alexander: https://www.youtube.com/watch?v=2EZ2-qygRvU