Casa Botín

Gastronomía
017 - Casa Botín
El restaurant más antiguo del mundo

Fundado en 1725. Como hecho anecdótico referido a esta época cabe señalar que el Libro Guinnes de los Records, en su edición de 1987, afirma que un adolescente Goya, allá por 1765, trabajó como friegaplatos en Botín. En esta misma edición se designa a Botín como el restaurante más antiguo del mundo.
Historia
Jean Botin y su esposa fundaron en el año 1725 (fecha grabada en piedra a la entrada) como posada con un horno de leña, el local ubicó su negocio en la planta baja (sobre la que hicieron una reforma) del edificio de la Calle Cuchilleros, 17 (muy cerca de la Plaza Mayor de Madrid). Ubicado en una zona muy céntrica de la capital. El negocio a la muerte de Jean y esposa recayó sobre un sobrino de ellos que se llamaba Candido Remis. El nombre actual de este local "Sobrino de Botín" procede de aquella época (1868). 
Características
El restaurante presenta una imagen del siglo XVI, ocupa cuatro plantas del edificio. En su interior los techos son bajos. La decoración se encuentra recargada de muebles y reliquias del pasado. Posee una única entrada cubierta de madera. Trabajan casi 70 personas en sus instalaciones. Posee una capacidad de unos 200 comensales, por regla general se sirven entre 350 y 400 comidas y cenas, habiendo registrando su récord en 735 por día.
Las especialidades que se sirven en el local se fundamentan en la cocina castellana y madrileña. Los asados castellanos siendo muy afamado el cochinillo asado y cordero asado (Cordero lechal) que se realiza en su antiguo horno de leña que reside en el interior de la cocina. El asado de cordero lechal se prepara con aceite de oliva, pimentón, sal y ajo haciéndolo girar lentamente al fuego (asado media hora por cada lado). Son famosas las sopas al estilo castellano, una de las más mencionadas es la sopa al cuarto de hora (sopa de pescado). La repostería es muy famosa y se fundamenta en recetas clásicas: pestiños, bartolillos y flan de huevo.
Curiosidades
Se menciona que el pintor Francisco de Goya estuvo trabajando en sus cocinas en 1765, antes de destacar como pintor (con 19 años).
Una de las placas exteriores recuerda que el gran novelista Benito Pérez Galdós en su obra Fortunata y Jacinta menciona el restaurante (publicado en 1886-1887). La placa fue puesta por la Cámara de comercio e Industria el 25 de mayo de 1971. Lugar donde comieron los protagonistas de la novela: sus protagonistas Juanito Santa Cruz y Fortunata.^[6] Lo cierto es que en la novela se menciona una pastelería diciendo: "anoche cenó en la pastelería del sobrino de Botín".
El escritor norteamericano Ernest Hemingway era un asiduo visitante durante sus estancias en Madrid y uno de los personajes de "The sun also rises" (Jake) declara haber comido en Botín.
Indalecio Prieto menciona en su libro "Mi vida" los deliciosos bartollillos que se elaboran.

Graham Greene menciona el restaurante en su libro “Monseñor Quijote”

Frederick Forsyth en “El manifiesto negro”

Video:  http://www.youtube.com/watch?v=GxObnwhYII4&feature=player_embedded

Jorge Luis Borges

Literatura
016 - Jorge Luis Borges
Siempre fiel a si mismo

Jorge Luis Borges nació en Buenos Aires el 24 de agosto de 1899. Por influencia de su abuela inglesa, fue alfabetizado en inglés y en español. En 1914, viajó con su familia a Europa y se instaló en Ginebra, donde cursó el bachillerato. Pasó en 1919 a España y allí entró en contacto con el movimiento ultraísta. En 1921, regresó a Buenos Aires y fundó con otros importantes escritores la revista Proa. En 1923, publicó su primer libro de poemas, Fervor de Buenos Aires. Desde esa época, se enferma de los ojos, sufre sucesivas operaciones de cataratas y pierde casi por completo la vista en 1955. Tiempos después se referiría a su ceguera como "un lento crepúsculo que ya dura más de medio siglo". 

Desde su primer libro hasta la publicación de sus Obras Completas (1974), trascurrieron cincuenta años de creación literaria durante los cuales Borges superó su enfermedad escribiendo o dictando libros de poemas, cuentos y ensayos, admirados hoy en todo el mundo. Recibió importantes distinciones de diversas universidades y gobiernos extranjeros y numerosos premios, entre ellos el Cervantes en 1980. Su obra fue traducida a más de veinticinco idiomas y llevada al cine y a la televisión. Prólogos, antologías, traducciones, cursos y charlas dan testimonio de la labor infatigable de ese gran escritor, que cambió la prosa en castellano, como lo han reconocido sin excepción sus contemporáneos. Borges falleció en Ginebra el 14 de junio de 1986. 
Desde su primer libro hasta la publicación de sus Obras Completas (1974), trascurrieron cincuenta años de creación literaria durante los cuales Borges superó su enfermedad escribiendo o dictando libros de poemas, cuentos y ensayos, admirados hoy en todo el mundo. Recibió importantes distinciones de diversas universidades y gobiernos extranjeros y numerosos premios, entre ellos el Cervantes en 1980. Su obra fue traducida a más de veinticinco idiomas y llevada al cine y a la televisión. Prólogos, antologías, traducciones, cursos y charlas dan testimonio de la labor infatigable de ese gran escritor, que cambió la prosa en castellano, como lo han reconocido sin excepción sus contemporáneos. Borges falleció en Ginebra el 14 de junio de 1986. 
Borges tuvo dos amigos íntimos durante la mayor parte de su vida: los escritores Adolfo Bioy Casares y Manuel Peyrou. A Bioy Casares lo conoció en la casa de, su también amiga, Victoria Ocampo, a Peyrou se lo presentaron en un bar alemán de la calle Corrientes cerca de Pueyrredón, en la década de 1920. La relación de amistad con cada uno de ellos fue profundamente diferente. Con Bioy se trataba de una amistad "a la inglesa", que excluía las confidencias; la que mantuvo con el segundo, en cambio, incluyó las confesiones más íntimas y personales. Cuando Borges necesitó la ayuda de un psiquiatra —así lo reveló Estela Canto—, fue Peyrou quien se lo recomendó. Tras la muerte de su amigo en 1974, Borges escribió un poema que lleva por título Manuel Peyrou y que publicó luego en Historia de la noche.
Documental: https://www.youtube.com/watch?v=ah2ppZzO8lM

Modernismo catalán

Arquitectura

015 – Modernismo catalán
Un estilo basado en la naturaleza

El modernismo catalán es un estilo arquitectónico que se desarrolla en Cataluña (España) y principalmente en Barcelona, a lo largo de unos 50 años, entre 1880 y 1930. Aunque es parte de una corriente general que surge en toda Europa, en Cataluña adquiere una personalidad propia y diferenciada, y se convierte en el modernismo probablemente más desarrollado.

Se manifestó sobre todo en Cataluña, donde se recibía mayor influencia europea, y como una forma

de singularizarse respecto al resto de España y reforzar el nacionalismo.

Los artistas modernistas (pintores, arquitectos, etc.) se reunían en el café literario barcelonés “Els Quatre gats”, desde 1897. Una revista que difundió el estilo fue Pel i Ploma, publicado por RamonCasas (pintor).

Arquictectura

El arquitecto Doménech i Montanerfue fue quien definió el “modernismo arquitectónico” con un artículo llamado “En busca d’una arquitetura nacional”, publicado en la revista “Renaixença”.

Características:

-los ejemplos principales están en Barcelona.

-es el más barroquizante o decorativo de Europa

-mezcla de formas vegetales orgánicas propias del modernismo internacional, con recuperación de estilos y materiales del pasado: recuperación del gótico, empleo del ladrillo.

-recuperación de técnicas artesanales autóctonas españolas: azulejo árabe o cerámica vidriada como decoración (recuerdo y admiración por formas y técnicas de un pasado no industrial)

-empleo del hierro, incluso para arcos.

-se hicieron edificios o casas particulares para la alta burguesía comercial, comercios, librerías, mercados, etc.

Destacaron los arquitectos:

-Puig i Cadafat: “Casa Amantller” (Barcelona)

-Doménech i Montaner. Es significativa su Casa Lleo (Barcelona),

con recuerdos claros del gótico en los remates apuntados o agujas;

recuerdos árabes en ventanas lobuladas, etc.

Otras obras de Montaner:

Hospital de la Santa Creu, Palacio de la Música.

Antonio Gaudí,:

Fue el más imaginativo. De niño estuvo enfermo (reumatismo…) y pasaba temporadas en reposo en el campo, donde observaba y dibujaba formas de la naturaleza.

Hizo estudios de arquitectura (también estudió filosofía, economía…)

Tras acabar su carrera, el conde Güell se convirtió en su mecenas y protector. En sus muchos encargos le dejaba libre para crear.

Murió atropellado por un tranvía en 1926.

Características propias de Gaudí:

-gusto por recuperar y mezclar estilos arquitectónicos: azulejería árabe (le gustaba la luz y la plasticidad de los azulejos); elementos clásicos (le gustaba usar solemnes columnas dóricas); estilo gótico (empleo de ladrillo, bóvedas, arcos apuntados, pináculos y agujas como remates, etc.).

-los edificios se envolvían en una profusa decoración, imaginativa y surrealista.

Documental: http://www.youtube.com/watch?v=UwC6RsEtX7U

Paperthin Music Video

Animación

0014 - Paperthin Music Video

Un emotivo relato y una excelente realización

Una sencilla pero bellísima realización denominada “Paperthin Music Video”, fantástico videoclip creado y animado 100% en stop motion y con pedazos de papel por Hettie Griffiths, una estudiante a punto de graduarse del curso de Motion Design en la universidad de Glamorgan Cardiff, UK. en mayo de 2010.

Este video relata en forma simple y muy expresiva una historia mínima, cotidiana, apenas un pretexto para ponerle imagen a esta bella canción titulada Paperthin, interpretada por el joven cantautor británico Pete Lawrie, (nacido en Penny Lane, ciudad de Gales).

Stop motion

El stop motion es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. Stop motion es un anglicismo que empezó a penetrar en el uso de la lengua española en tiempos relativamente recientes. Tradicionalmente se lo ha designado en español con muchos términos diferentes, como por ejemplo animación en volumen, parada de imagen, paso de manivela, animación foto a foto, animación fotograma por fotograma o animación cuadro por cuadro, por citar sólo algunos ejemplos.

Los orígenes de esta técnica se funden con la propia historia de la cinematografía. Hay que destacar que uno de sus pioneros fue un español, Segundo de Chomón, quien recurrió a esta técnica en películas como La casa encantada (1906) y El hotel eléctrico (1908). Hay que destacar también al cineasta ruso Ladislaw Starewicz, quien en el año 1912 realizó la película La venganza del camarógrafo, donde se narra la historia de una familia de escarabajos que se destruye a causa de la infidelidad entre sus cónyuges. Otro destacado pionero en esta técnica fue Willis O'Brien, quien animó King Kong en 1933. Su alumno Ray Harryhausen hizo un gran número de películas con la misma técnica.

El stop motion fue y sigue siendo, una técnica muy utilizada en Europa del Este: Revolution in toyland (1946) de Hermina Tyrlová, The hand (1965) de Jirí Trnka y Meat Love (1989) de Jan Svankmajer. Nombramos aquí algunos, de muchos otros grandes creadores.

Video: https://vimeo.com/11338063

El teatro negro de Praga

Arte

013 - El teatro negro de Praga

Una perfecta combinación: la magia poética del arcoiris en un escenario negro

El principio del Teatro Negro es un juego óptico conocido como el truco de la caja negra, que se aprovecha de la imperfección del ojo humano, el cual no puede distinguir el negro sobre el negro. Aplicado al Teatro Negro, el público no puede ver un actor vestido de negro sobre un fondo negro, iluminado por la luz ultravioleta. Así, objetos movidos por estos actores, e incluso los propios actores, nos dan la impresión de volar en el espacio.
Es un viejo truco utilizado por primera vez China para entretener a los emperadores. Japón lo utilizaría en el s.XVIII en los teatros de marionetas japonesas. A finales del s.XIX y principios del s.XX, George Melies utilizó este truco para rodar sus primeras películas. En los años 50 los titiriteros de la vanguardia francesa lo utilizaron vistiendo a los actores de negro; uno de ellos, George Lafaye, es conocido desde entonces como el padre del Teatro Negro.
El Teatro Negro hace de este truco el tema central, creando un lenguaje escénico que se ha hecho famoso en todo el mundo, gracias a las compañías checas de Teatro Negro.

El Teatro negro de Praga fundado en 1961. Es un tipo de representación escénica muda que se caracteriza por dar lugar a un fantástico juego de luz y de sombras.

La técnica empleada le distingue de otros tipos de representación teatral. Se utilizan cortinas negras, un escenario de color oscuro, linternas negras y trajes fosforescentes. La danza, las representaciones mímicas y las acrobacias tienen igualmente una gran importancia en el teatro negro.

El grupo de teatro negro de Praga es la mejor compañía del mundo en este tipo de obras y hace giras por todo el mundo cada vez que estrena en cartelera un nuevo guión.

Es uno de los elencos teatrales más famosos de todo el mundo y agotan sus entradas en todas las funciones que brindan.

Son expertos en la técnica llamada “caja oscura”, donde mediante una serie de objetos flúo logran un perfecto efecto en el que parece que los actores están flotando en el aire.

Al igual que sucede con otras grandes compañías como el Circo de Solei, el teatro negro de Praga cuenta con una gran cantidad de actores y técnicos que componen varios elencos estables, interpretando más de una obra simultáneamente en diferentes lugares.

Video: https://www.youtube.com/watch?v=6L7-cLP9AOc

Enya

Música

012 – Enya

Los druidas habitan en un pentagrama celta llamado Enya

Enya es una cantante irlandesa de música new age.

En su localidad natal en el condado irlandés de Donegal, Gweedore (17 de mayo de 1961, Eithne Ní Bhraonáin -más conocida mundialmente como Enya Brennan- siempre estaba en contacto con la naturaleza y por supuesto con los árboles. No es de extrañar que éstos hayan aparecido en un momento dado como influencia en su obra, más teniendo en cuenta su cualidad, según los druidas y la mitología irlandesa, de ser los guardianes sagrados de la memoria.

Mujer sencilla, celosa de su intimidad, de apariencia casi mística), gustos exquisitos (cine clásico, pintura, música), artista que se inspira de numerosas fuentes (clásica, folk, sinfónica, new age...), "la voz de Irlanda". Nunca realiza conciertos, y sus actuaciones en directo son escasas. Comenzó su carrera en Clannad, conocidísimo grupo folk al que pertenecía por familia, pero que deja en 1982 para continuar en solitario. Desde entonces hasta ahora, siete álbumes (sin contar reediciones), dos recopilatorios y numerosas rarezas.

Comenzó su carrera musical en 1980, cuando se unió por un breve periodo a Clannad, el grupo musical formado por varios de sus familiares, antes de lanzar su carrera en solitario. Con su álbum Watermark, lanzado en 1988, alcanzó relevancia internacional, y Enya empezó a resultar conocida por su sonido único, caracterizado por el empleo de múltiples «capas de voz», sintetizadas a partir de la propia, melodías folk, fondos de sintetizador y reverberaciones etéreas. En cuanto a las letras, para las que suele contar con la letrista Roma Ryan, es conocida por haber cantado en diez idiomas diferentes a lo largo de su carrera, principalmente en gaélico irlandés y en inglés, pero también en latín, quenya, español o «loxian», una lengua construida por la misma Ryan.

Mantuvo su éxito en los años 1990 y 2000: su álbum A Day without Rain, de 2000, alcanzó la tremenda cifra de 16 millones de unidades vendidas; y ella fue nombrada la artista femenina de más ventas en 2001. Es la artista irlandesa en solitario de mayores ventas totales, así como, oficialmente, la segunda artista exportadora del país, tras la banda U2. Las ventas totales de sus álbumes han alcanzado en 2008 la suma de 70 millones de unidades.

Su trabajo ha merecido, entre otros muchos reconocimientos, la nominación a un Óscar, un Globo de Oro y un Grammy por su canción «May It Be».

Ama los gatos. Señala que cuando era pequeña sólo sabía flotar en el agua, y que su mayor error en toda la vida ha sido no aprender a nadar nunca. Su compositor clásico favorito es Sergéi Rajmáninov. También le gusta ver películas en blanco y negro, coleccionar trabajos artísticos, leer y pintar. Una de sus películas favorita es Rebeca.

Audio: https://www.youtube.com/watch?v=wOtQ2vMxOl0

El carnaval de Venecia, tradición aristocrática

Arte

011 - El carnaval de Venencia

El carnaval de Venecia, tradición aristocrática

La fiesta más popular de Venecia es el Carnaval cuya tradición se remonta al siglo XI cuando Venecia comenzaba a dominar marítimamente importantes porciones del mar Mediterráneo.

El carnaval de Venecia fue fundado por Christopher Tolive que era el secretario principal del rey de Venecia. Este pensaba que era necesario algo para que la nobleza de este país pudiese salir a ver al pueblo común y corriente.

Actualmente la tradición es que la población se disfrace con ostentosos y bellos disfraces para exponerlos a los turistas que apenas algunos llevan una simple máscara. El Carnaval de Venecia es único en el mundo.

Con Napoleón el Carnaval quedó prohibido por miedo a que se generaran conspiraciones y se recuperó en 1979. El Carnaval es totalmente distinto al resto del mundo, Durante los 10 días que dura, la gente se disfraza y sale a la calle a pasear y a hacerse fotos, ya sea en desfiles organizados, o improvisados. Hoy miles de visitantes acuden a Venecia en estas fechas para admirar los espectaculares disfraces de quienes invierten miles de euros para lucir como una estrella durante algunos días del año o sólo para mezclarse entre la gente y perderse por las callejuelas de esta ciudad única. Los disfraces son trajes de época del siglo XVII veneciano, como si estuvieran recién salidos de un cuadro de época. Durante el Carnaval también se organizan muchos eventos y fiestas, algunas de ellas privadas a las que es difícil asistir sin invitación. Los precios de las fiestas también son altos, y una noche puede llegar a costar hasta 500€. Los turistas no se disfrazan. El objetivo de la mayoría de los visitantes es ver Venecia en Carnaval y hacerse fotos con los mejores disfraces.

El carnaval se creó para conceder a la población más pobre un momento de diversión y burlarse públicamente de la aristocracia. De ahí viene lo de usar máscaras que puedan ocultar la identidad. En el siglo 18 vivió un personaje peculiar, Giacomo Casanova, que encarna perfectamente el espíritu de su tiempo.

El carnaval se creó para conceder a la población más pobre un momento de diversión y burlarse públicamente de la aristocracia. De ahí viene lo de usar máscaras que puedan ocultar la identidad. En el siglo 18 vivió un personaje peculiar, Giacomo Casanova, que encarna perfectamente el espíritu de su tiempo.

El primer domingo de Carnaval se celebra el vuelo del Ángel o de la Colombina, una paloma de metal lanzada desde el campanario hacia el Palacio Ducal uno de los símbolos más importantes de Vencia. El pájaro se ha cambiado por una persona que interpreta al ángel. El Gran Canal es también un escenario muy importante estas celebraciones, desde allí se miran las góndolas o se pasea disfrutando una "frittella", el dulce típico. El récord de visitantes y eventos se alcanza el día de Martes de Carnaval.

Video: https://www.youtube.com/watch?v=otQVrn-9sLc